Doing Nightlife Research I: Introduction

Doing Nightlife Research II: Going Out

Doing Nightlife Research III: Interviewing

Here he kinda tells the opposite

Here's another funny one: DJs are stupid !

Nun, der Kulturanthropologe Dr. Graham St. John findet in diesen "post-traditionalen" Szenen elektronischer Tanzmusik dennoch zahlreiche religiöse Elemente und zeichnet diese in einem Überblickstext nach. Basierend auf der berühmten Thomas-Luckmann-These von 1967, nach der Religion mit der Individualisierung und Demokratisierung nicht verschwunden ist, sondern lediglich eine neue Sozialform angenommen hat, zeigt St John an vier Dimensionen der Technokultur die neuen Formen des Religiösen. Der wesentliche Wandel liegt in einem Abbau kirchlicher Religionen hin zu einer Privatisierung der Religion. Die großen Ideologien des Atheismus haben lediglich zu einer Invisibilisierung religiöser Formen beigetragen und kirchliche Formen von Religion zurückgedrängt, nicht aber die Religion als Teil menschlicher Existenz. Denn diese existiert nun als private, pluralisierte Formen in verschiedenen spirituellen Zusammenhängen, wie sie sich auch in Musikszenen wiederfinden lassen.

Um jedoch dem Ansatz von St John folgen zu können, muss man sich mit dem Religionsbegriff des Religionssoziologen Thomas Luckmann auseinandersetzen. Ansonsten ist jeder Zugang zur Interpretation seiner Deutungen vorneweg zum Scheitern verurteilt, da sich unser alltägliches Verständnis von Religion (z.B. als Verblendungsmaschinerie der Massen mit dem Motor des Glaubes, aber nicht der Wahrheit) vom Luckmann'schen deutlich unterscheidet. Dazu aus einer Rezension einer Neuauflage des Klassikers "Die unsichtbare Religion" von Ingo Mörth (PDF-Link):

'Spannend ist nach wie vor das Sich-Einlassen auf die Grundüberlegung Luckmanns zur zentralen Frage der Religionssoziologie, nämlich "Ursprung, Funktion und Gehalt" (Dux) der Religion. Transzendenz des biologischen   Wesens, Vergesellschaftung der Gattungsmitglieder durch die"Weltansichten" einer soziohistorisch gegebenen Kultur und Individuation der Personen zu Menschen mit selbstreflexiver Identität: das sind die anthropologisch begründeten funktionalen Fundamente des "Religiösen", ja die ersten, universellen Formen überhaupt:

"Die Individuation des Bewußtseins und des Gewissens eines historischen Individuums geschieht weniger durch eine originäre Neuerschaffung von Weltansichten als durch die Internalisierung einer schon vorkonstruierten Weltansicht … Hatten wir vorhin die Weltansicht als eine universale gesellschaftliche Form der Religion definiert, so können wir entsprechend die persönliche Identität als eine universale Form der individuellen Religiosität definieren." (Originalzitat, S. 109)  

Weltansicht = Religion/Religiosität = persönliche Identität lautet die Luckmannsche Gleichung, an der er im Text der "Unsichtbaren Religion" auch keinen Zweifel läßt:

"Nicht einzelne Deutungsschemata (als Bestandteile der Weltansicht, I.M.) erfüllen eine religiöse Funktion. Es ist vielmehr die Weltansicht als ganze, als einheitliche Sinnmatrix." (S. 93); "

Wir sagen, daß der Organismus zur Person wird, indem er seine Natürlichkeit transzendiert. Daraus folgern wir, daß es sich  um einen grundlegend religiösen Vorgang handelt." (S. 87) '(Quelle: Ingo Mörth)

Die Technokultur bietet uns also zahlreiche Möglichkeiten an, uns als individuelle und autonome Personen wahrzunehmen und dadrin als Letztdeutung das Wesen des Seins zu sehen. Es eröffnet uns Spielräume darin fundamental zu verstehen, was uns ausmacht und was nicht – und das erfahren wir in ihren kulturellen Riten und Praxen. Jedoch steckt dies in historischen Deutungsräumen und entsprechenden Weltsichten, die uns vorgeben zu sagen, was wir wirklich sind, was uns im Kern wirklich ausmacht – und wir uns dann entsprechend auch so wahrnehmen. Diese Wirklichkeitsangebote des Individuellen und Autonomen, des Herrschens über sich selbst, gelten in diesem Falle als Letztdeutungen – so wie die Sachen eben wirklich sind und auch sein sollen. Und das ist dann ihr religiöser Charakter, die Momente der Sinnkonstruktion.

Nach St John sind diese vier Dimensionen des Religösen in der Technokultur:

"the cultural religion of EDMC expressed through ‘ritual’ and ‘festal’; subjectivity, corporeality and the phenomenological dance experience (especially ‘ecstasy’ and ‘trance’); the dance community and a sense of belonging (the ‘vibe’ and ‘tribes’); and EDMC as a new ‘spirituality of life’. Moving beyond the cultural Marxist approaches of the 1970s, which held youth (sub)cultural expressions as ‘ineffectual’ and ‘tragic’, and the postmodernist approaches of the early 1990s, which held rave to be an ‘implosion of meaning’, recent anthropological and sociological approaches recognise that the various manifestations of this youth cultural phenomenon possess meaning, purpose and significance for participants."

Den Text vom St John (2006) gibt es hier umsonst und komplett zum Runterladen, viel Spaß beim Lesen und Reflektieren CLICK
(Electronic Dance Music Culture and Religion: An Overview)

Die religiöse Dimension menschlicher Kultur spendet Sinn, Identität und Zweck, gibt Ordnungsrahmen des Handelns vor und offeriert oftmals auch Antworten auf Fragen des Übernatürlichen und Transzendenten. Damit macht sie diese in szenespezifischen Formen erleb- und erfahrbar. Während wir Sinn und Zweck früher aus starren kirchlichen Institutionen oftmals übergezwungen bekamen, suchen wir heutzutage unsere Sinninhalte und Handlungszwecke auf pluralisierten Deutungsmärkten des Religiösen: Und die Technokultur wird auf diesen ebenfalls verhandelt. Techno gibt uns als etablierte und lebendige Kultur eine Menge Orientierungen und ekstatischer Erlebnisse. Hinzu kommen standardisierte Rituale des Clubbings, Feierns und Auflegens, das starke körperlich-spirituelle Erlebnis beim Tanzen, die gefühlte Kollektivität auf der Tanzfläche, sich selbst auf der Party zu vergessen, das Verstehen von "Partyvibe" und "Groove", wenn der Dancefloor "am Kochen" ist, man sich in der tanzenden Masse aufgehen lässt, durch Drogen die Wahrnehmung verändert – das sind alles religiöse Formen der Spiritualität, Transzendenz und Außerkörperlichkeit (Ekstase). Zeit und Raum treten in Vergessenheit, die Party verzeiht dir alles, was vorher war und danach kommen wird, man lässt sich kontrolliert auf bestimmte Zeit fallen und von einer fremden Kraft treiben. Körper und Seele werden eins, der Unterschied zwischen dir und den anderen verschwimmt. – das Erleben von Trance. Und vorne steht (jetzt übertreibe ich der DJ als Priester auf dem Podest und steuert die Zeremonie Party mit seinen Werkzeugen.

Abstract: "This article provides a comprehensive and critical overview of existing research that investigates (directly and indirectly) the religio-spiritual dimensions of electronic dance music culture (EDMC) (from disco, through house, to post-rave forms). Studies of the culture and religion of EDMC are explored under four broad groupings: the cultural religion of EDMC expressed through ‘ritual’ and ‘festal’; subjectivity, corporeality and the phenomenological dance experience (especially ‘ecstasy’ and ‘trance’); the dance community and a sense of belonging (the ‘vibe’ and ‘tribes’); and EDMC as a new ‘spirituality of life’. Moving beyond the cultural Marxist approaches of the 1970s, which held youth (sub)cultural expressions as ‘ineffectual’ and ‘tragic’, and the postmodernist approaches of the early 1990s, which held rave to be an ‘implosion of meaning’, recent anthropological and sociological approaches recognise that the various manifestations of this youth cultural phenomenon possess meaning, purpose and significance for participants. Contemporary scholarship thus conveys the presence of religiosity and spirituality within contemporary popular cultural formations. In conclusion, I suggest that this and continuing scholarship can offer useful counterpoint to at least one recent account (of clubbing) that overlooks the significance of EDMC through a restricted and prejudiced apprehension of ‘religion’."

Vinyl vs. MP3, phisical vs. digital Djing. Are you dealing with this long term discussion within the dj culture, sometimes being told that your are just a conservative vinyl fanatic being afraid of progress? Or  have you been accused of not  being a proper DJ because you play with Traktor Skratch and use the revolutionary Sync button only? Wish to know about scientific views on this? Then read "Should one applaud? Breaches and Boundaries in the Reception of New Technology in Music" by Pinch & Bijsterveld (2003) in general terms. And the article  "How do you know he's not playing Pac-Man while he's supposed to be DJing?" by Australian popular music scientist Ed Montano (2010) especially on the dj culture. Both are really worth it ! One is free on the net, the other one has to be paid for. Enjoy

Download Ed Montano full PDF for free: CLICK

Montano, Ed. 2010. “How Do You Know He's Not Playing Pac-Man While He's Supposed to Be DJing?: Technology, Formats and the Digital Future of DJ Culture.” Popular Music 29:397-416.

Abstract: In light of the growing literature on DJ culture, this article explores how technological change is having a significant impact on specific areas of music production and distribution within contemporary electronic dance music culture. An ethnographic methodology is employed, based around research conducted in the Sydney dance music scene between 2002 and 2007. The aim of the article is to reveal some of the discourses and reactions in DJ practice that result from shifts in technology. With the increasing use of CDs, mp3s and computer programs such as Ableton Live, the notion that vinyl and turntables represent the authentic technology of DJ culture seems somewhat redundant. The physical movement required to mix vinyl records has meant that the associated skills of DJing have become bound up in notions of physical and visible manipulation of technology, and so the use of technology that does not require and afford such physical expression has raised questions around the fundamental skills of DJing. As such, it would seem that there needs to be a redefinition of the concept of DJing, and a reframing of the skills and abilities seen as being essential to DJ practice. (Source)

(Photo source)

"Die Superstar-Orientierung und das CD-Format sorgten dafür, dass das Album zum zentralen Umsatzträger der Branche wurde. Die Single verlor immer mehr an Bedeutung und hatte schließlich nur mehr die Funktion eines Testmarktes. Als nun die Track-Kultur des Internets auf diese Strukturen traf, verwandelte sich der umsatzschwere Album- wieder in einen wirtschaftlich weniger tragfähigen Single-Markt, was die Umsatzeinbrüche des letzten Jahrzehnts erklärt." 

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Vortrag im Rahmen der "Version Credits"-Reihe: 20 Uhr bis ca 21.30, Schloss-Hauptgebäude – Raum 318, Neuer Graben 29, Osnabrück, Germany

Party: ab 23 Uhr, Unikeller, Neuer Graben 29 Osnabrück, Germany

Ankündigungstext: Version Credits #1 

Am 03.12. initiert die Version Credits mit der Initiative Kultur- und Kreativwirtschaft einen Vortrag mit einem Thema, das zu wenig betrachtet wird: Szenewirtschaft. Wir betrachten sie am Beispiel der elektronischen Musikszene in Berlin. Dazu haben wir den Referenten Jan Kühn aka. Fresh Meat , Betreiber des „Berlin-Mitte-Institut für Bessere Elektronische Musik“, eingeladen. Musikszenen sind für ihn Vergemeinschaftsangebote in einer zunehmend individualisierten Gesellschaft. In ihnen bilden sich Organisationsformen und Arbeitsidentitäten, die die Akteure zur strategischen Erwerbsarbeit und zum Erhalt und der Entwicklung der jeweiligen Szene zu nutzen wissen.

Dazu Jan Kühn: „Folgt man Diskursen der Techno-Szene oder externen Diskursen über die Szene (z.b. seitens Stadtmarketing oder Musikindustrie), so ist wirtschaftliches Geschehen rund um Techno irgendwie "Underground", irgendwie "anders". Gleichzeitig herrscht Einigkeit, es sei jedoch auch nur ein "Business" – wie eben jedes andere auch. Beide Positionen werden in meinem Vortrag kritisch hinterfragt und neu miteinander verbunden – mit der These, dass (idealtypisch) die Szenewirtschaft der Techno-Szene eine eigene Strukturlogik zwischen Underground und Musikindustrie verfolgt."

In der an den Vortrag anschließenden Diskussion können die Beobachtungen und Thesen von Jan Kühn mit der Realität in der Region Osnabrück in Bezug gesetzt werden. Die Region Osnabrück besitzt seit Mitte der 90er Jahre eine vielfältige Szene für elektronische Musik. Viele Stile sind vertreten, das Angebot reicht von informellen, sporadischen Parties bis zu regelmäßigen etablierten Veranstaltungsreihen und professionell betriebenen Clubs. Die Veranstaltung dient als Impulsgeber für die lokale Szene; Entwicklungspotentiale und Herausforderungen sollen deutlich werden.  Dozent Jan Kühn wird danach sein können als DJ Fresh Meat auf der Version im Unikeller mit Techno, House und Breakbeats unter Beweis stellen .

11:00 – 13:15 Uhr: „Resistance through Rituals“ oder
„Friede, Freude, Eierkuchen“?
Techno zwischen Hedonismus und Protest (Max Lill)

14:00 – 16:00 Uhr: Die Produktion elektronischer Tanzmusik in
Homerecording-Studios (Jan-Michael Kühn)

16:15 – 18:00 Uhr: Flyerkultur und die Politik der Stadt (Mike Riemel)

Die Veranstaltung ist kostenlos, aber es wird um eine Anmeldung per Email gebeten: archiv AT jugendkulturen.de. Beginn: 11 Uhr pünktlich bis 18 Uhr, Ort:  Archiv der Jugendkulturen, Fidicinstr. 3, 10965 Berlin – weitere Info: Archiv fürJugendkulturen e.V.

„Resistance through Rituals“ oder „Friede, Freude, Eierkuchen“? – Techno zwischen Hedonismus und Protest (Max Lill)

Techno gilt in öffentlichen und sozialwissenschaftlichen Debatten meist als unpolitische Spaßkultur, in der weder soziale Ungleichheitsverhältnisse, noch weltanschauliche Ideologien länger von Bedeutung seien. Doch wer in Berlin dieser Tage Demonstrationen gegen Gentrifizierung, Naziaufmärsche oder Atomkraft besucht, stellt dagegen fest: Techno bildet zurzeit die dominierende musikalische Untermalung politisch links orientierter Proteste.

Wird Techno damit politisiert? Oder werden die sozialen Bewegungen durch Techno entpolitisiert? War Hedonismus vielleicht schon immer (latent) politisch – eine Absage an die herrschende Ethik der Enthaltsamkeit, Konformität und Disziplin? Oder ist der Eskapismus des Techno nur eine freundliche Maske für die Gleichgültigkeit in Zeiten von Neoliberalismus und Krise?

Die TeilnehmerInnen des Workshops erhalten einen Einblick in die soziologische Debatte um die Frage, inwieweit Techno-Kulturen politisch relevant sein können. Ausgehend von aktuellen Verschränkungen zwischen stadtpolitischem Protest und Techno-Subkulturen in Berlin sollen unterschiedliche Deutungen zum Verhältnis von Hedonismus und sozialer Bewegungspraxis erläutert und zur Diskussion gestellt werden. Auf dieser Grundlage soll eine Debatte um die Rolle von Techno-Kulturen im Kontext von Individualisierung, Subjektivierung und sozialer Polarisierung angeregt werden.

Die Produktion elektronischer Tanzmusik in Homerecording-Studios (Jan-Michael Kühn)

Der Referent stellt in seinem Beitrag sein Modell der konstellativen Produktionspraxis von elektronischer Tanzmusik vor, welches er im Rahmen seiner Doktorarbeit zu Musikproduktion und Arbeitsverhältnissen in der Technoszene entwickelt hat. Es soll gezeigt werden, dass die Musikproduktion sich aus der Konstellation dreier Komponenten verstanden werden kann: Erstens, die subjektiven Dimensionen schaffenden Handelns ermöglichen mit ihren Eigenschaften der Orientierung, Gestaltung, Realisierung, Trial-and-Error und Flow ein Aufeinanderbeziehen der Komponenten in einer institutionalisierten Produktionspraxis. Zweitens, Musiktechnologien in Homerecording-Studios ermöglichen das Erschaffen spezifischer Klangdimensionen in einer Organisationsform, die es Einzelnen ermöglicht in Homerecording-Studios musikalische Werke zur Zufriedenheit großer musikalischer Öffentlichkeiten zu schaffen. Drittens, ermöglichen die individualisierten und pluralisierten Kulturen und Märkte elektronischer Tanzmusik in Szenen und Szeneökonomien mit ihren spezifischen Eigenschaften der Sinnstiftung, Anreizen und Trägheit die Produktion und Reproduktion von Wissenspools, Kontinuität, Anschlussmöglichkeiten, wirtschaftlichen Verwertungsrahmen, Infrastrukturen, verführerischer Vergemeinschaftung, usw. Vor allem dieser letzte Punkt soll ausführlicher beleuchtet werden, da hier die sozialen und ökonomischen Bedingungen, die die Produktion und den Konsum von elektronischer Musik (und damit auch die Musik selbst) entscheidend mitprägen, von zentraler Bedeutung sind

Flyerkultur und die Politik der Stadt (Mike Riemel)

Flyerkultur hat seit ihrem massenweisen Gebrauch Ende der 80er Jahre immer auch den Aspekt des subversiven, illegalen und politischen transportiert.

Gerade in Berlin mit seinen vielen illegalen Clubs war es wichtig, dass nicht die „falschen“ Leute die Informationen erhalten. Seit die Stadt modernisiert wird und der Wegfall von Freiräumen zu vielen kommerziellen Veranstaltungen führte, gibt es eine starke Gegenbewegung, die sich wiederum in den Flyern spiegelt. Die Einladungspolitik eines Clubs ist nach wie vor der entscheidende Erfolgsfaktor. Denn nur ein gutes Publikum macht einen guten Abend aus.

Referenteninfo:

Jan-Michael Kühn ist Soziologe und promoviert an der Technischen Universität Berlin über Erwerbsarbeit-Strukturen in der Berliner Techno-Szene. Er ist seit 2005 regelmäßig in Berliner Clubs als DJ "Fresh Meat" unterwegs, produziert Techno-TV-Sendungen mit dem "Berlin Mitte Institut für Bessere Elektronische Musik" und arbeitet freiberuflich als Booker für verschiedene Veranstalter. http://www.berlin-mitte-institut.de/

Max Lill studierte bis 2010 Politikwissenschaften und Geographie auf Lehramt an der Freien Universität Berlin. Parallel engagierte er sich ehrenamtlich im Rahmen des globalisierungskritischen Netzwerks attac und war unter anderem als Gitarrenlehrer tätig. Seine in Kürze beim „Archiv der Jugendkulturen“ erscheinende Abschlussarbeit schrieb er über die Bedeutung von Musik in den Protestkulturen der 1960er Jahre. Zurzeit arbeitet er als Redaktionsmitarbeiter bei der Mitgliederzeitschrift der GEW-Hamburg „hlz“, sowie als freier Autor und in der politischen Bildungsarbeit. Er ist Mitglied von „reflect! – Assoziation für politische Bildung und Gesellschaftsforschung“.

Mike Riemel (Jhg. 67) hat BWL studiert um als freier Medien- und Kulturmanager in Berlin zu leben und zu arbeiten. Ob als Betreiber eines Internetradios (Klubradio) oder als Produzentengalerist (Foto-Shop), immer steht die Freiheit des Mediums im Vordergrund. Seit 1998 arbeitet er am Sammel- und Ausstellungsprojekt Flyer Soziotope zu dem 2005 im Archiv der Jugendkulturen eine umfassende Publikation erschien. http://www.flyersoziotope.net/

"This  article  examines  a  very  basic  question  for  popular  music  studies:  what  is  ‘the  music industry?’ It surveys the usage of the term in various arenas and argues that it is often used in ways which state or imply that the industry is a homogenous unit with shared objectives and interests. However, the reality is that this picture is, at best, outdated and an inaccurate portrayal of the organisational structure of the global music economy in the mid-2000s. In addition, to think of a single ‘music industry’ rather than music industries, plural, is simplistic and does little to aid understanding  of  those  cultural  industries  which  are  primarily  concerned  with  the  creation, management and selling of music, either as a physical/digital product, a performance, or as a bundle of intellectual property rights. We tease out the implications of this, especially as they relate to understanding what is routinely referred to as ‘the music industry’ and the development of policies for it." (Abstract)

Nun, was ist eigentlich dieses Underground? Ohne tiefer darauf einzusteigen, ihr werdet selbst davon einen Begriff haben: Underground fasse ich hier, etwas oberflächlich und verkürzt, auf zwei Ebenen: Einmal als handlungsanleitende Ideologie und einmal als technologisch ermöglicht und beschränkt. Die Ideologie umfasst starken Individualismus, eine Aversion vor als unnötig empfundenen Freiheitseinschränkungen und Regulierungen oder ungerechtfertigten Benachteiligungen, einen großen Hang zum Do-It-Yourself im Kleinen, oftmals einen kleinkommerziellen Unternehmerethos – nach eigenen Vorstellungen und Belieben die Welt gestalten, wesentlich orientiert an Musik und Szene, einen eher lässigen Lebensstil: eine marktradikale Selbstutopie. Außerdem eine Aversion gegen Massenmusik und Majormusikwesen, eine starke, nicht beliebige Beziehung zur Musik und zum Feiern selbst. Entsprechend gelten spezifische Produktionsverhältnisse: Statt Musikindustrie, eine kleinkommerzielle und atomistische Szenewirtschaft mit geringen Absatzzahlen pro Release. Der technologischen Status Quo ermöglicht, beschränkt und begünstigt die Ausgestaltung dieser Ideologie auf bestimmte Weise.

Die Technopraxis 1990er, wenn man kurz einen Blick durch Medien/Distribution/Darbietung und Musikproduktion wirft, waren geprägt von bestimmten technologischen Ermöglichungen und gleichzeitig Beschränkungen dieser Zeit: Dominanz der Printmedien wie Szenezeitschriften und Flyer, analoge Musikproduktion mit großen Maschinenparks, dem Tonträger Vinyl, vielen Distributoren und Plattengeschäften, usw. usf. Herstellung und Verteilung der Printmedien waren und sind nach wie vor zahlenmäßig beschränkt, unterliegen großem Aufwand und arbeiten mit großer Zeitverzögerung von Tagen und Wochen. Zur Produktion von Magazinen brauchte es noch einiges an Geld, um sich entsprechende Klangerzeuger zuzulegen. Man musste noch viel wissen und noch mehr Interesse und Geduld mitbringen, um überhaupt mit Musikproduktion beginnen zu können. Dann war der zentrale Tonträger noch Vinyl, welches einen hohen Kostenaufwand mit sich brachte, durch seine Haptik bestimmten Eigenschaften von Mobilität und Produktionskosten unterliegt. Insgesamt waren die Technologien damals wesentlich davon gekennzeichnet, das sie ein hohes Maß an Selektivität und Exklusivität begünstigten – was sich mit der Ideologie des Underground sehr gut vereinen ließ und sie in ihrer Entfaltung begünstige. Es konnte nicht jeder an der Szene so einfach, global und in Echtzeit teilnehmen, wie es heute der Fall ist.

Nun, werfen wir einen Blick in die Zeit ab 2000. Die Technologien des Internet, der Digitalisierung und Computerisierung haben jegliche Exklusivität und Selektivität weitestgehend durch eine globale Inklusion und starke Senkung der Zugangsbarrieren verdrängt. Musik hat ihre Bindung an den haptischen Tonträger verloren und ist jetzt überall und in Echtzeit unendlich per Musikfile verfügbar. Bei den meisten DJ-Sets legt die Computersoftware mittlerweile zusammen mit dem DJ auf, der jetzt wesentlich selected und Effekte bedient, aber nicht mehr technisch mixen muss. Um Musik zu produzieren reicht es, einen einfachen Computer zu haben und sich mit Software auszukennen, ein paarmal im Club gewesen zu sein und Podcasts zu hören. Dank Internet kann sich zudem jeder vernetzen und selbst vermarkten.

Entsprechend haben wir heute neue "Probleme", welche bereits in den 1990ern in Ansätzen existierten: Noch mehr Musik, der man noch weniger folgen kann. Nicht mehr zu überblickender Musik-Spam. Hey, can you listen to my track please? Mehr DJs und Liveacts, welche stärker um heiß begehrte Gigs wettbewerben. Ganz viele, die trotz Talent und Engagement doch außerhalb des DJ-Booth den Etablierten zuschauen müssen. Unsere Freunde werden gleichzeitig in Social Networks immer mehr auch unsere potentiellen Kunden. Szenekommunikation findet wesentlich im Netz statt. Immer mehr Tracks junger Nachwuchsproduzierenden finden in die Clubs, gleichzeitig fürchten etablierte Professionelle die ungünstigen Bedingungen durch die neue technologische Marktradikalität.

Nun, die Ideologie des Underground ist offensichtlich nicht verschwunden – sie hat aber eine andere technologische Basis bekommen und sich als Phänomen im Ganzen entsprechend gewandelt – hin zum Interground. Das ist, wenn das Obskure seine technologische Basis von Selektivität und Exklusivität verliert, aber trotzdem noch die Ansprüche aufrecht erhält und globalisiert, entmaterialisiert und in Echtzeit via Musikfiles und totaler Vernetzheit umsetzt: Der Underground der 1990er ist der Interground ab 2000.

Würde mich über Gedanken und Kritik eurerseits dazu freuen.

Merci. Jan Kühn / Fresh Meat

Folgt man Diskursen der Techno-Szene oder externen Diskursen über die Szene (z.b. seitens Stadtmarketing oder Musikindustrie), so sei wirtschaftliches Geschehen rund um Clubkultur irgendwie "Underground", irgendwie "anders". Gleichzeitig herrscht Einigkeit, es sei jedoch auch nur ein "Business" – wie eben jedes andere auch. Beide Positionen werden im Vortrag kritisch hinterfragt und neu miteinander verbunden – mit der These, dass (idealtypisch) die Szenewirtschaft der Techno-Szene eine eigene Strukturlogik zwischen Underground und Musikindustrie verfolgt. Anhand erster empirischer Einsichten aus meiner aktuellen Forschung wird argumentiert, dass sich aus der spezifischen Kultur und Szene elektronischer Tanzmusik szenespezifische Produktionsverhältnisse entwickeln ("Minor, Independent"), die bestimmte Handlungsbedingungen ermöglichen und andere unwahrscheinlich machen. Speziell vor dem Hintergrund großstädtischer ökonomischer Verdrängungsprozesse in Zeiten neoliberaler Stadtvermarktung scheint mir diese Unterscheidung wertvoll, da sie deutlich macht, dass eine Politik des Städtewettbewerbs um globale Kapitalströme und besserverdienende Schichten nicht im Sinne der Szenewirtschaften oder Subkulturen ist ("Pionierdilemma") – obwohl die alternative Stadtkultur als Standortfaktor im Stadtmarketing angeführt wird. 

Im Vortrag wird grob eingeführt, was sich unter Szene, Szenewirtschaft und Subkultur verstehen lässt. Dann werden idealtypisch "Techno-Underground", Szenewirtschaft (Clubs, Labels, Agenturen, usw.) und Musikindustrie gegenüber gestellt, um unterschiedliche strukturelle Ausprägungen zu diskutieren. Zum Abschluss und als Einleitung in die folgende Diskussion wird auf zwei strukturelle Rahmenbedingungen für Clubkultur-Politik hingewiesen: Erstens, der "zynische" Charakter von Stadtvermarktungspolitik und Szenen/Subkulturen über Prozesse der Gentrifikation. Zweitens, die strukturelle Vielfalt (bedeutsam subkulturell geprägter) musikwirtschaftlicher Ausprägungen, die mit zusammenfassenden Begriffen (und gleichzeitig Betrachtungsweisen) wie "Musik-/Kreativwirtschaft" und entsprechender Reduktion auf rein wirtschaftliche Relevanz ausgeblendet werden – was sich als politisch geförderter Nachteil für Szenen/Subkulturen darstellt.

Jan Kühn / Fresh Meat

Mit großem Interesse laß ich einen Text des Musikwissenschaftlers Peter Wicke aus dem Jahre 1998. Seine Stärke liegt darin an konkreten Beispielen zu zeigen, was das Neue bzw. Andere von elektronischer Tanzmusik als Praxis im Muszieren des Auflegens und Produzierens im Unterschied zu Formen des Musizierens mit herkömmlichen Instrumenten bei z.B. Bands ist. Die etwas sperrige These, welche dem Text zugrunde liegt, zielt auf eine Entmedialisierung elektronischer Tanzmusik ab:

"… Indem die Medien zum Instrument des Musizierens werden, verlieren sie ihre vermittelnden Funktion mit weitreichenden Folgen für die ästhetischen Dimensionen von Klang."

Im Laufe des Textes erläutert Wicke dieThese anhand von Beispielen, wo sie klarer und fassbarer wird. Vom eigenständigen Musikstück hin zum Track im DJ-Set, von analoger Klangwelt hin zur "kalten" digitalen ohne jegliche Repräsention im Realen, neues Musizieren mit Maschinen und Computern als Instrumenten, die neue Live-Form des Auflegens und damit verbundende Umdefinition des Musikers, das stundenlange Nonstop-Bummbumm:

"… in der von der Techno-Musik in Gang gesetzten und in Gang gehaltenen Symbiose zwischen Klang und Körper [offenbaren sich] kulturelle Strategien der ästhetischen Wahrnehmung, die den Gegensatz von synthetisch und authentisch, von medial und real, von Simulation und Realisation, Produktion und Reproduktion lange schon hinter sich gelassen haben … "

Insgesamt sehr lesbar und nachvollziehbar. An manchen Stellen kann man gut kritisieren, aber die Dimensionen des Neuen scheinen mir gut herausgearbeitet. Viel Spaß beim Lesen !

Hier gibts den Text umsonst und vollständig – CLICK